A Milano per il Salone del Veicolo d’Epoca, Autoclassica, vengono esposte dal 17 al 19 febbraio le opere di Alessandro Gedda per celebrare la storia dell’auto.

Alessandro Gedda con la tecnica Sketches ha creato oltre 60 opere riuscendo a trasmettere il dinamismo del movimento delle macchine in corsa e nei ritratti la personalità dei protagonisti che hanno caratterizzato il mondo dell’automobile come per Enzo Ferrari, Ettore Bugatti, Alfieri Maserati, Ferdinand Porsche, Ferruccio Lamborghini e di altri.

Questa tecnica è la creazione dell’opera finita attraverso lo schizzo con il colore puro che in queste tele risulta predominare il blu con alcuni effetti di sgocciolatura che caratterizzano il lavoro. Gedda parte con un’opera su Leonardo da Vinci per riportare alla memoria i progetti svolti dal maestro sulla costruzione delle macchine, considerandolo come artefice dei primi studi di meccanica per giungere ai grandi mezzi creati dalle grandi case automobilistiche.

Ricorda anche con i suoi ritratti i grandi piloti della Formula 1 come Juan Manuel Fangio, Jim Clark, Niki Lauda, Jacques Villeneuve e Ayrton Senna.

La mostra è una personale di un artista che ha trasformato la sua passione per le automobili in arte da esporre e per esaltare la bellezza e il grande lavoro svolto nei secoli nel rendere facile, veloce e comodo il trasporto delle persone e dei beni.

Video che ritrae l’artista Alessandro Gedda mentre dipinge in blu una Porsche nel 2010.

La Galleria Civica di Modena, dal 17 marzo al 10 giugno 2012, ospita la mostra di Vittorio Corsini “Tra voci, carte, rovi e notturni”, lavoro organizzato proprio per la serra ducale.

Nata dalla collaborazione con la Fondazione Cassa di Risparmio e con la cura di Marco Pierini, la mostra espone solo opere nuove (ad eccezione di una datata 1990 ma mai esposta) che declinano tematiche legate al concetto di territorio. Una mostra completamente incentrata sul paesaggio che attraverso sculture, installazioni e un video d’animazione riconsidera il territorio come anima in movimento, dove la vita quotidiana tutto trasforma e muta.

Gli studi di Corsini mirano all’osservazione sulle modalità dell’abitare, sui movimenti che animano gli spazi domestici e pubblici, sulle relazioni che essi instaurano con le persone. La ricerca si realizza attraverso l’utilizzo dei materiali più disparati, dal vetro al metallo, dalla carta all’inchiostro alla segatura, tutti elementi che aiutano l’artista a cucire una serie di legami narranti, tutte espressioni di ciò che il paesaggio solo riprodotto non può esprimere.

Un dispositivo elettronico riproduce la voce di Paolo Nori che legge una storia realizzata con l’intento di rappresentare un paesaggio delle colline modenesi. La segatura bianca e nera disposta sul pavimento di una sala viene costantemente calpestata dai passanti, metafora di come l’ambiente finisca per essere modificato da coloro che lo abitano, pur rimanendo sempre riconoscibile.

“Risaia”, l’opera del 1990 in metallo e vetro, rappresenta una visione ancora storica della natura; “Eros 10.5″ e “Eros 10.7″ portano una trasformazione, il riflettersi colorato della luce dei neon che contrasta con i cespugli e i canneti metallici. Un’intera ala del palazzo è dedicata a stampe fotografiche in bianco e nero, dove splendidi paesaggi diurni mutano in attimi notturni mediante l’utilizzo della luce blu che si staglia da destra.

La mostra, dal 17 marzo al 10 giugno 2012, è aperta dal mercoledì al venerdì dalle 10.30 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 19.30. Il sabato, la domenica e i festivi con orario continuato dalle 10.30 alle 19.30; lunedì e martedì la mostra resterà chiusa. L’ingresso è libero.

Cassette Lord viene da Brighton, Uk. Il suo segno di riconoscimento sono le vecchie audiocassette degli anni ’90, ritratte a mo’ di stancil per le strade inglesi. Un’idea geniale, che eleva Cassette Lord nel mondo dei grandi street-artist di Londra e dintorni, se non altro per la semplicità con la quale riesce a integrare la classicità della cassetta dalla  forma rettangolare, con colori vivacissimi.

Lui definisce la sua arte come un “Rinascimento delle audiocassette”: è un momento di rivalutazione per questi oggetti così antichi ormai eppure così familiari per chi, come lui, appartiene alla generazione degli anni ’70 e sta vivendo il fiore dell’età. Il ritorno al vintage ha attraversato il mondo negli ultimi anni entrando, o meglio ri-entrando a pieno ritmo in tutti quegli ambiti che sono stati vittime della trasformazione tecnologica quali la musica, la fotografia, la moda, le telecomunicazioni, ecc.

Cassette Lord in questo senso ha dato il suo contributo a questo fenomeno globale del ritorno al passato, della ricerca della nostalgia. Il suo è un retrò-style in piena regola, in cui trovano posto gli oggetti e le reminiscenze della sua infanzia.

Fonte immagini: Vandalog.com

Terminal Painting è la nuova mostra di Mirko Pagliacci, un’affascinante esposizione dell’artista che abbiamo intervistato per conoscere da vicino la sua arte e capire in cosa consiste la peculiare caratteristica tecnica dello strappo-toner.

Teminal Panting infatti è solo il titolo che Mirko Pagliacci ha scelto per il suo nuovo ciclo di esposizioni. Un tripudio di colori ma anche tante novità tutte riassumibili nella nuova invenzione dell’artista: lo strappo toner.

Come nascono le sue opere?

Quello che mi interessa è il simbolo che arriva dal passato e che contiene un velo di nostalgia ma anche un grido d’allarme e con una tecnica nuova adattabile a quelle che sono le forme nuove del linguaggio riesco a mettere un tessuto contemporaneo. Molti pittori che si rifanno all’antico a mio parere adottano tecniche obsolete, cioè oleografiche. Io ho cercato di capire in che modo è possibile parlare di un passato che ci interessa in maniera sempre nuova utilizzando la tecnica dello strappo-toner.

In che cosa consiste questa tecnica?

Andy Warhol negli anni ’60 e, in generale, l’intero movimento della pop art lavorava su modelli del passato ma soprattutto su alcuni riferimenti come Marilyn adoperando una tecnica che è quella della serigrafia oppure utilizzavano sistemi di stampa (si prendeva una tela, si stampava e poi si procedeva alla coloritura). Questi sono sistemi alla portata di tutti. Ad un certo punto, tuttavia, io ho intuito che la nostra società si stava spostando verso livelli di riproduzione altissima, per cui dal momento che il linguaggio visivo era già allora alla portata di tutti (sul vento della pop art), io ho capito che bisognava utilizzare un linguaggio di alta tecnica. Così ho adoperato un lino grezzo proveniente dalla Cina o dall’India, l’ho trattato con resine, gessi, colori, acrilici, con dei pigmenti tradizionali e, contemporaneamente, ho adoperato un sistema di linguaggio contemporaneo: un linguaggio non stampato (che deriva dalla stampa) che viene strappato come l’affresco. Allora anziché stampare l’immagine sulla tela, la si stampa su un foglio, dopodiché si prende questo foglio, lo si fa aderire sul tessuto preparato e poi lo si strappa con delle resine per cui rimane il colore vivo del toner. Questa è un’operazione eterna. Fra cento anni il quadro sarà uguale ad oggi.

Come le è venuta in mente questa operazione?

Mi sono accorto di questa possibilità durante una collettiva a cui ho partecipato qualche anno fa. C’erano dei quadri di Rauscher, di Warhol e mi sono accorto che il quadro di Rauscher quasi non si vedeva così come le opere di Warhol. Così, sulla scorta di questo grande bagaglio del passato, ho pensato di inventare qualcosa di nuovo e ho iniziato a mescolare le resine, i composti chimici e, infine, sono arrivato a strappare fotocopie. Si tratta di fotocopie stampate su tela, ma contemporaneamente è un’operazione inversa a quella della fotocopiatrice.

Gennaro Vallifuoco è uno degli artisti irpini più apprezzati nel panorama nazionale. Tra i suoi lavori ci sono testi, dipinti e scenografie teatrali realizzate per grandi maestri. Oggi vi parliamo di una sua opera dedicata al Natale 2011.

Nel 2000, Gennaro Vallifuoco dipinge ‘La cantata dei pastori’, una splendida natività strabordante di colori e di infinite sfumature: si va da quelle blu cobalto in cui è dipinta la larga veste di Maria, al blu/notte quasi nero del cielo stellato, passando per i grigi sfumati della grotta e delle montagne fino ad arrivare ai gialli e agli arancioni intensi della stella cometa e delle aureole. Un tripudio di colori ed allegria pensato per omaggiare la venuta di Gesù che, in quanto tale, è un evento positivo e allegro e come tale – secondo Vallifuoco – deve essere raffigurato attraverso l’esaltazione dei colori.

Non mancano, tuttavia, i contrasti cromatici – quelli del grigio tendente al nero – che sfociano inevitabilmente anche in contrasti tematici: la notte e la caduta del diavolo (in grigio/nero) dipinti in primo piano. Un’opera importante e carica di significato che, attraverso mille contraddizioni di colore, ben si adatta alla celebrazione dello spirito magico che precede il Santo Natale.

Gennaro Vallifuoco è un artista di Avellino nato nel luglio del 1967. La sua vocazione artistica, sin da giovane, non è unilaterale: Vallifuoco è un fotografo, uno scenografo, un illustratore prima ancora di essere un grande pittore.  Dall’ ‘85 in poi frequenta l’Accademia delle belle Arti di Firenze e, durante il suo percorso di studi, riceve l’opportunità di lavorare come assistente del celebre Beni Montresor. Un’occasione unica che consentirà al giovane Vallifuoco di varcare per la prima volta le soglie dell’imponente teatro dell’Opera di Roma dove si dedicò all’allestimento delle scene e dei costumi di Falstaff di G. Verdi. Dopo il diploma all’Accademia fiorentina, Vallifuoco riceve una seconda grande opportunità: lavorare come assistente al Cantiere Internazionale d’Arte di Montepulciano per lo spettacolo ‘La gatta inglese’ di Henze. Dal ’91 in poi, Vallifuoco inizia a lavorare insieme a Roberto de Simone. Da questa collaborazione nasceranno opere importanti come le ‘Fiabe Campane (Einaudi, 1994), ‘Il convitato di Pietra’ e ‘ Il presepe popolare napoletano’.

Nel 1996 Vallifuoco si trasferisce in Sardegna per insegnare all’Accademia delle belle Arti di Sassari. Durante il suo soggiorno sardo, Vallifuoco prepara numerose mostre fra cui quella d’ispirazione favolistica con cui partecipa alla rassegna ‘i Custodi del tempo’ tenutasi a Cagliari. Dal ’97 al ’99 la sua cattedra viene trasferita da Cagliari a Carrara e, durante questo periodo, Vallifuoco intraprende originali collaborazioni anche nel campo musicale. Infine, a ridosso del 2000 Vallifuoco inizia a collaborare con l’Alitalia per cui ha allestito molte iniziative originali, fra cui una mostra all’Aereoporto di Fiumicino e la creazione di una speciale card da collezione.

Giorgio de Chirico viene ripreso e intervistato durante i lavori per la realizzazione di “Sole sul cavalletto” nel 1973 partendo dai disegni sulla tela fino alla firma sul dipinto.

Un dipinto d’arte contemporanea realizzato da Giorgio de Chirico sotto l’occhio di una macchina da ripresa nel 1973, grazie a questo video è possibile vedere i processi che de Chirico metteva in atto per la realizzazione di un’opera d’arte, l’intervista può risultare in alcuni casi poco gradevole per le domande incalzanti fatte ad un artista reticente a rispondere, ma alla fine il video risulta piacevole e interessante per scoprire alcune caratteristiche della personalità del maestro della pittura metafisica.

Il quadro è caratterizzato da un sole e una luna spenti nel celo e accesi all’interno di un locale identificato da alcuni come palcoscenico teatrale dal tendaggio nei lati ma ironicamente negato da de Chirico nel video. I soli e le lune sono collegati tra loro da un filo nero che prende il colore giallo avvicinandosi ai due illuminati. Questo tema viene ripreso da alcune litografie che de Chirico fece per illustrare il Calligrammes di Guillaume Apollinaire pubblicato nel 1930 a Parigi.

De Chirico afferma che non bisogna cercare significati nei dipinti ma “la pittura è una contemplazione, bisogna guardarla, contemplarla“.

Giorgio de Chirico è nato nel 1888 a Volos in Grecia da genitori italiani, si trasferì a Monco di Baviera nel 1905 dove nel 1906 entrò nell’accademia di belle arti per completare gli studi sotto Max Klinger pittore e scultore tedesco. Si trasferì in Italia nel 1909 e dipinse Enigma di un pomeriggio d’autunno. Successivamente si trasferisce a Parigi dove ebbe contatti con i circoli intellettuali francesi, ritornò in Italia per essere arruolato durante la guerra. Morì il 20 novembre del 1978 a Roma dopo pochi mesi dai festeggiamenti per i suoi 90anni al Campidoglio.

Fonte immagine | Fondazione Giorgio e Isa de Chirico

ABenergie, società di fornitura di energia da fonte rinnovabile, presenta “Fukinagashi. Mosso dal vento”, un’opera inedita di Francesco Pedrini, cui sarà tolto il velo dallo stesso artista martedì 4 ottobre alle ore 18,30 in Piazza Vittorio Veneto a Bergamo, e dedicata al fenomeno della natura che è forza ma anche energia e vita.

A seguito dell’inaugurazione, cui parteciperanno anche le autorità cittadine, e sino al 16 ottobre presso la sede di ABenergie a Bergamo in via Tasca 3, si terrà la mostra “Fukinagaschi. Il racconto” un’installazione multimediale che attraverso fotografie, disegni, video e le parole dei protagonisti racconta il progetto dalla genesi sino alla sua realizzazione finale. L’ingresso è gratuito.

“Fukinagashi. Mosso dal Vento” agli occhi appare come un bonsai in stile fukinagashi “mosso dal vento” che, incastonato in una pietra di Zandobbio, crea una sorprendente figura in cui aria e materia si fondono in un’unica armoniosa composizione. Un monumento dedicato all’inaspettata e imprevedibile forza della natura, dove ricerca artistica e innovazione scientifica costruiscono un nuovo dialogo comune.

Curatrici del progetto sono Marcella Cattaneo, Viola Giacometti e Sara Mazzocchi

L’autore
Con quest’opera Francesco Pedrini (Bergamo, 1973) continua la sua ricerca sul paesaggio naturale e simulato con l’intento di problematizzare, secondo nuove modalità, il rapporto tra uomo e paesaggio. Attivo dal 2003 in ambito internazionale, l’autore si è sempre distinto per una riflessione particolare sui limiti dello sguardo, in continua oscillazione tra l’ambiguità del vero e il turbamento del sublime. Oggi docente di Disegno nel corso di Linguaggi artistici contemporanei all’Accademia Carrara di Belle Arti di Bergamo, Francesco Pedrini ha al suo attivo importanti partecipazioni, fra cui, nel 2003 la Biennale di Venezia con Sound Fetish  – opera oggi acquisita dal Moma di New York – nel 2009 la Biennale TICAB di Tirana con 4 ways to e nel 2010 al MSGSÜ Tophane Culter Center di Istanbul con In between, arada tra. Nel 2011 torna alla Biennale di Venezia, Padiglione Italia (Sezione Accademie) con l’opera Contemporaneo infinito.

Dal fisarmonicista Richard Galliano, alla musica contemporanea di Nando Citarella, al candidato Premio Oscar per la scenografia Bruno Rubeo a molti altri illustri nomi della cultura e dello spettacolo, anche per il 2011 la manifestazione si avvale di un ricco cartellone di appuntamenti. Il Festival – è stato detto durante la conferenza stampa di presentazione che si è tenuta a Perugia, alla presenza dell’assessore regionale alla cultura Fabrizio Bracco – si è progressivamente sviluppato offrendo nelle diverse sezioni, esposizioni e premi di pittura e scultura, spettacoli teatrali, concerti ed un concorso internazionale di composizione originale per banda, presentazioni di libri e poesie, serate di folclore, enogastronomiche e rievocazioni storiche.

L’edizione 2011 si caratterizza anche per la riapertura, nella serata inaugurale, del restaurato Teatro della Filarmonica che per l’occasione ospiterà l’esposizione di alcuni costui di scena del Teatro dell’Opera di Roma.

Il concerto di apertura di Corciano Festival 2011, nel 150esimo dell’Unità d’Italia, è interamente dedicato alle più belle pagine del melodramma “risorgimentale” eseguite dalla Corciano Festival Orchestra e da illustri voci “verdiane”. Il Corciano Festival Ensemble si esibirà anche nei “Salotti de l’Umbria del Cuore”, la sezione dedicata  ad insigni personalità del mondo della cultura e dello spettacolo che amano l’Umbria. Tra questi lo scenografo Bruno Rubeo candidato premio Oscar per la scenografia del film “A spasso con Daisy” e Marina Mahler nipote del compositore austriaco Gustav Mahler e presidente della Anna Mahler International Association.

Tra gli appuntamenti della manifestazione le esibizioni, giovedì 11 del fisarmonicista Richard Galliano, uno dei più sensibili musicisti oggi presenti sui palcoscenici di tutto il mondo e venerdì 12 agosto di Nando Citarella, musicista, attore, cantante e studioso delle tradizioni popolari per la serata “Magna Mater”.

Una serata sarà inoltre dedicata all’Operetta, mentre il Concerto conclusivo del Festival vedrà la Corciano Festival Orchestra proporre le più belle pagine dall’Archivio del Concorso di Composizione Originale per Banda che quest’anno giunge alla 28a edizione. Nei giorni 8 e 9 agosto è previsto lo spettacolo teatrale “Cristoforo Colombo. Elogio a chi in America ci va sbagliando strada” un progetto realizzato in collaborazione con l’Associazione Farneto Teatro, per la regia di Maurizio Schmidt. Avviata anche la collaborazione con l’ente umbro Fontemaggiore, Teatro Stabile di Innovazione di Perugia per due serate dal titolo “Pagine d’Italia. L’Unità nazionale nella letteratura italiana”.

Il festival ripropone serate in costume del ‘400 e per la durata della manifestazioni pietanze medievali e rinascimentali nella “Taverna del Duca”. Tra le mostre in programma, alla Chiesa Museo di San Francesco, l’esposizione di  Giuliano Giuman, in cui l’artista presenta 23 opere su tela, tavola e vetro realizzate negli ultimi sei anni, e “Memorandum. Bacosi, Maddoli, Ranocchia: Artisti umbri del secondo ‘900”.

Fonte immagine: comune.corciano.pg.it

Le opere di oltre 100 artisti più rappresentativi della Regione Lazio in mostra a Palazzo Venezia fino al 22 settembre per l’iniziativa promossa da Padiglione Italia alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia per il 150º dell’Unità d’Italia.

La mostra degli artisti italiani è un avvenimento senza precedenti. Il curatore del Padiglione Italia 2011, Vittorio Sgarbi, ha voluto conferire al suo progetto una dimensione del tutto inconsueta affiancando al Padiglione in Arsenale altre iniziative nelle regioni d’Italia e consentendo ad ogni regione di esporre gli artisti contemporanei più rilevanti o promettenti.

L’obiettivo è quello di delineare, per la prima volta, uno stato dell’arte contemporanea in Italia, indagando a fondo la creatività italiana su tutto il territorio e rendendo contestualmente omaggio al 150° Anniversario dell’Unità d’Italia. Sono stati a tal fine esaminati oltre 3.000 artisti tra pittori, scultori, fotografi e video artisti, viventi ed operanti negli ultimi 10 anni; ne sono stati selezionati complessivamente 1.200.

La Regione Lazio svolge in questo contesto un ruolo guida, sia per il numero degli artisti esposti che per la rilevanza dell’esposizione. Le opere dei 100 artisti laziali ritenuti più rappresentativi saranno esposti a Palazzo Venezia, nei prestigiosi saloni del piano nobile, fino al 22 settembre.

La mostra è promossa dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, dalla Direzione Generale PaBAAC, dalla Soprintendenza BSAE per il Lazio, dall’Assessorato alla Cultura della Regione Lazio, ed è realizzata grazie al fondamentale contributo della Fondazione Roma-Arte-Musei, principale partner dell’evento anche sotto il profilo scientifico. Il Prof. Emmanuele F.M. Emanuele, presidente della Fondazione Roma, ha selezionato e proposto in via diretta 14 degli artisti esposti, ed ha partecipato alla selezione degli altri artisti con il curatore Vittorio Sgarbi.

L’Iniziativa sarà documentata da un catalogo di oltre 1.500 pagine che raccoglierà le opere di tutti gli artisti presenti, edito da Skira.

Orari
Da Martedì a Domenica 10.00 – 19.00
Lunedì chiuso

Biglietti
Intero 7,00 euro
Ridotto 5,00 euro

Biglietteria on line
www.ticketeria.it
www.galleriaborghese.it
www.ticketone.it

Presso lo Spaziofarini di Milano dal 4 maggio sarà possibile ammirare le opere dell’artista Luigi Billi in una mostra dal titolo ‘Cielo di bosco’.

Con l’obiettivo sempre rivolto all’insù, Luigi billi nè capace di catturare scorci, luci ed ombre create da rami e foglie dalle cui fessure trapela il cielo in tutti suoi colori e le sue luminosità dando luogo ad effetti di grande suggestione di tipo impressionista.

L’artista è così in grado di estrapolare forme e figure (spesso geometriche) che rami e le foglie racchiudono in sè. Una natura che sembra non avere segreti per un’artista in grado di coniugare l’arte classica a quella contemporanea avvalendosi della superficie cerata della carta fotografica che viene stropicciata e dipinta a mano.

Fonte immagini: luigibilli.com