Sono previste due aperture straordinarie del Cenacolo Vinciano, grazie ad Eni, venerdì 24 febbraio e 30 marzo, dalle ore 19:30 alle ore 22:30. In queste due serate speciali le luci del Refettorio di Santa Maria delle Grazie a Milano, dove Leonardo ha dipinto l’Ultima Cena, non si spegneranno e sarà possibile ammirare il capolavoro, meta di visitatori da tutto il mondo.

L’ingresso è libero ( per prenotazioni telefonare al numero 02.92800360, dal lunedì al sabato, dalle 8:00 alle 18:30) secondo la formula di eccezionalità e gratuità che caratterizza il sostegno del cane a sei zampe all’arte e alla cultura. Negli eventi promossi da Eni, dopo il successo a Palazzo Marino della mostra di Georges de la Tour (con 210.000 visitatori),  si riallaccia il filo con Leonardo, già protagonista nel 2009 dell’esposizione ospitata dal Comune di Milano del dipinto San Giovanni Battista, proveniente dal museo del Louvre.

Fin dai tempi di Enrico Mattei la cultura costituisce per Eni un importante terreno di iniziative attraverso cui coniugare la propria natura di grande società energetica con il tessuto sociale e culturale dei paesi in cui opera. Affermarsi come impresa che agisce per lo sviluppo di un territorio specifico è il principale obiettivo di ogni progetto. Eni è convinta infatti che favorire l’accesso alla cultura sia un valore e uno strumento di crescita per tutta la società.

Per questo motivo tutti gli eventi culturali sostenuti da Eni sono oggi riconoscibili per la qualità dei contenuti e la varietà dei linguaggi e degli strumenti di approfondimento messi in campo, concepiti per formare sempre spettatori coscienti, ad ogni fascia d’età.
In un periodo in cui, al trend di disinvestimento economico risponde un aumento costante della domanda in cultura, l’impegno di Eni è quello di facilitare l’accesso e la conoscenza all’arte, al teatro, alla musica, al cinema.

Leonardo ha dipinto l’Ultima Cena per volere di Ludovico Maria Sforza detto il Moro, in un arco di tempo che va dal 1494 al 1497. L’artista, trattandosi di pittura su muro, non si è affidato alla tradizionale quanto resistente tecnica dell’affresco, che impone una veloce stesura del colore sull’intonaco ancora umido, ma ha voluto sperimentare un metodo innovativo che gli consentisse di intervenire sull’intonaco asciutto e, quindi, di poter tornare a più riprese sull’opera curandone ogni minimo particolare. Le intuizioni di Leonardo, purtroppo, si rivelarono sbagliate e ben presto, per un’infelice concomitanza di cause, la pittura cominciò a deteriorarsi. Nel corso dei secoli, di conseguenza, si susseguirono molti restauri nel disperato tentativo di salvare il capolavoro. Nel 1999, dopo oltre 20 anni di lavoro, si è concluso l’ultimo intervento conservativo che, grazie alla rimozione di tante ridipinture, ha riportato in luce quanto restava delle stesure originali.

Le precarie condizioni del dipinto obbligano il Museo a osservare rigide regole di visita consentendo l’ingresso di 30 persone ogni 15 minuti anche in occasione delle aperture straordinarie serali del Cenacolo Vinciano.

Terminal Painting è la nuova mostra di Mirko Pagliacci, un’affascinante esposizione dell’artista che abbiamo intervistato per conoscere da vicino la sua arte e capire in cosa consiste la peculiare caratteristica tecnica dello strappo-toner.

Teminal Panting infatti è solo il titolo che Mirko Pagliacci ha scelto per il suo nuovo ciclo di esposizioni. Un tripudio di colori ma anche tante novità tutte riassumibili nella nuova invenzione dell’artista: lo strappo toner.

Come nascono le sue opere?

Quello che mi interessa è il simbolo che arriva dal passato e che contiene un velo di nostalgia ma anche un grido d’allarme e con una tecnica nuova adattabile a quelle che sono le forme nuove del linguaggio riesco a mettere un tessuto contemporaneo. Molti pittori che si rifanno all’antico a mio parere adottano tecniche obsolete, cioè oleografiche. Io ho cercato di capire in che modo è possibile parlare di un passato che ci interessa in maniera sempre nuova utilizzando la tecnica dello strappo-toner.

In che cosa consiste questa tecnica?

Andy Warhol negli anni ’60 e, in generale, l’intero movimento della pop art lavorava su modelli del passato ma soprattutto su alcuni riferimenti come Marilyn adoperando una tecnica che è quella della serigrafia oppure utilizzavano sistemi di stampa (si prendeva una tela, si stampava e poi si procedeva alla coloritura). Questi sono sistemi alla portata di tutti. Ad un certo punto, tuttavia, io ho intuito che la nostra società si stava spostando verso livelli di riproduzione altissima, per cui dal momento che il linguaggio visivo era già allora alla portata di tutti (sul vento della pop art), io ho capito che bisognava utilizzare un linguaggio di alta tecnica. Così ho adoperato un lino grezzo proveniente dalla Cina o dall’India, l’ho trattato con resine, gessi, colori, acrilici, con dei pigmenti tradizionali e, contemporaneamente, ho adoperato un sistema di linguaggio contemporaneo: un linguaggio non stampato (che deriva dalla stampa) che viene strappato come l’affresco. Allora anziché stampare l’immagine sulla tela, la si stampa su un foglio, dopodiché si prende questo foglio, lo si fa aderire sul tessuto preparato e poi lo si strappa con delle resine per cui rimane il colore vivo del toner. Questa è un’operazione eterna. Fra cento anni il quadro sarà uguale ad oggi.

Come le è venuta in mente questa operazione?

Mi sono accorto di questa possibilità durante una collettiva a cui ho partecipato qualche anno fa. C’erano dei quadri di Rauscher, di Warhol e mi sono accorto che il quadro di Rauscher quasi non si vedeva così come le opere di Warhol. Così, sulla scorta di questo grande bagaglio del passato, ho pensato di inventare qualcosa di nuovo e ho iniziato a mescolare le resine, i composti chimici e, infine, sono arrivato a strappare fotocopie. Si tratta di fotocopie stampate su tela, ma contemporaneamente è un’operazione inversa a quella della fotocopiatrice.

Gennaro Vallifuoco è uno degli artisti irpini più apprezzati nel panorama nazionale. Tra i suoi lavori ci sono testi, dipinti e scenografie teatrali realizzate per grandi maestri. Oggi vi parliamo di una sua opera dedicata al Natale 2011.

Nel 2000, Gennaro Vallifuoco dipinge ‘La cantata dei pastori’, una splendida natività strabordante di colori e di infinite sfumature: si va da quelle blu cobalto in cui è dipinta la larga veste di Maria, al blu/notte quasi nero del cielo stellato, passando per i grigi sfumati della grotta e delle montagne fino ad arrivare ai gialli e agli arancioni intensi della stella cometa e delle aureole. Un tripudio di colori ed allegria pensato per omaggiare la venuta di Gesù che, in quanto tale, è un evento positivo e allegro e come tale – secondo Vallifuoco – deve essere raffigurato attraverso l’esaltazione dei colori.

Non mancano, tuttavia, i contrasti cromatici – quelli del grigio tendente al nero – che sfociano inevitabilmente anche in contrasti tematici: la notte e la caduta del diavolo (in grigio/nero) dipinti in primo piano. Un’opera importante e carica di significato che, attraverso mille contraddizioni di colore, ben si adatta alla celebrazione dello spirito magico che precede il Santo Natale.

Gennaro Vallifuoco è un artista di Avellino nato nel luglio del 1967. La sua vocazione artistica, sin da giovane, non è unilaterale: Vallifuoco è un fotografo, uno scenografo, un illustratore prima ancora di essere un grande pittore.  Dall’ ‘85 in poi frequenta l’Accademia delle belle Arti di Firenze e, durante il suo percorso di studi, riceve l’opportunità di lavorare come assistente del celebre Beni Montresor. Un’occasione unica che consentirà al giovane Vallifuoco di varcare per la prima volta le soglie dell’imponente teatro dell’Opera di Roma dove si dedicò all’allestimento delle scene e dei costumi di Falstaff di G. Verdi. Dopo il diploma all’Accademia fiorentina, Vallifuoco riceve una seconda grande opportunità: lavorare come assistente al Cantiere Internazionale d’Arte di Montepulciano per lo spettacolo ‘La gatta inglese’ di Henze. Dal ’91 in poi, Vallifuoco inizia a lavorare insieme a Roberto de Simone. Da questa collaborazione nasceranno opere importanti come le ‘Fiabe Campane (Einaudi, 1994), ‘Il convitato di Pietra’ e ‘ Il presepe popolare napoletano’.

Nel 1996 Vallifuoco si trasferisce in Sardegna per insegnare all’Accademia delle belle Arti di Sassari. Durante il suo soggiorno sardo, Vallifuoco prepara numerose mostre fra cui quella d’ispirazione favolistica con cui partecipa alla rassegna ‘i Custodi del tempo’ tenutasi a Cagliari. Dal ’97 al ’99 la sua cattedra viene trasferita da Cagliari a Carrara e, durante questo periodo, Vallifuoco intraprende originali collaborazioni anche nel campo musicale. Infine, a ridosso del 2000 Vallifuoco inizia a collaborare con l’Alitalia per cui ha allestito molte iniziative originali, fra cui una mostra all’Aereoporto di Fiumicino e la creazione di una speciale card da collezione.

Giorgio de Chirico viene ripreso e intervistato durante i lavori per la realizzazione di “Sole sul cavalletto” nel 1973 partendo dai disegni sulla tela fino alla firma sul dipinto.

Un dipinto d’arte contemporanea realizzato da Giorgio de Chirico sotto l’occhio di una macchina da ripresa nel 1973, grazie a questo video è possibile vedere i processi che de Chirico metteva in atto per la realizzazione di un’opera d’arte, l’intervista può risultare in alcuni casi poco gradevole per le domande incalzanti fatte ad un artista reticente a rispondere, ma alla fine il video risulta piacevole e interessante per scoprire alcune caratteristiche della personalità del maestro della pittura metafisica.

Il quadro è caratterizzato da un sole e una luna spenti nel celo e accesi all’interno di un locale identificato da alcuni come palcoscenico teatrale dal tendaggio nei lati ma ironicamente negato da de Chirico nel video. I soli e le lune sono collegati tra loro da un filo nero che prende il colore giallo avvicinandosi ai due illuminati. Questo tema viene ripreso da alcune litografie che de Chirico fece per illustrare il Calligrammes di Guillaume Apollinaire pubblicato nel 1930 a Parigi.

De Chirico afferma che non bisogna cercare significati nei dipinti ma “la pittura è una contemplazione, bisogna guardarla, contemplarla“.

Giorgio de Chirico è nato nel 1888 a Volos in Grecia da genitori italiani, si trasferì a Monco di Baviera nel 1905 dove nel 1906 entrò nell’accademia di belle arti per completare gli studi sotto Max Klinger pittore e scultore tedesco. Si trasferì in Italia nel 1909 e dipinse Enigma di un pomeriggio d’autunno. Successivamente si trasferisce a Parigi dove ebbe contatti con i circoli intellettuali francesi, ritornò in Italia per essere arruolato durante la guerra. Morì il 20 novembre del 1978 a Roma dopo pochi mesi dai festeggiamenti per i suoi 90anni al Campidoglio.

Fonte immagine | Fondazione Giorgio e Isa de Chirico

È stata trasferita per restauri l’Adorazione dei Magi di Leonardo da Vinci dagli Uffizi all’Opificio delle Pietre Dure in massima sicurezza e scortata dai carabinieri.

Con tanto di scorta da parte dei carabinieri e la massima assistenza nel trasporto è stato spostato dagli Uffizi all’Opificio delle Pietre Dure il dipinto non finito di Leonardo da Vinci l’Adorazione dei Magi iniziato nel 1481 per il monastero di San Donato a Scopeto. Sono stati riscontrati dei problemi sulla superficie del dipinto a causa delle vernici ossidanti in uso nei metodi di trattamento delle collezioni granducali.

Il problema, afferma Cristina Acidini soprintendente del Polo Museale Fiorentino, risulta nella visibilità dell’opera, ridottasi, e nella possibilità che si creino delle microfratture che andrebbero a danneggiare nel tempo il dipinto.

L’Adorazione dei Magi verrà controllata da uno staff di tecnici provenienti da varie università (Bologna, Firenze, Perugia e Pisa) e verranno effettuati degli studi non invasivi sull’opera per circa quattro mesi passando successivamente ad un restauro, sulla base dei risultati ottenuti, che potrà durare da uno a due anni.

Acidini ha sottolineato che tutti i documenti e l’intero programma sarà accessibile agli studiosi, in piena trasparenza, e potranno contribuire con idee e suggerimenti secondo la tradizione dell’Opificio.

L’opera “Adorazione dei Magi” è incompiuta a causa della partenza del pittore per Milano ma lascia intravedere lo stile innovatore che lo contraddistingue con lo studio dello spazio, del chiaro scuro e l’assenza quasi totale delle linee di contorno in uso fino a quel momento. Un’opera che grazie alla sua incompiutezza spiega il metodo che Leonardo da Vinci adoperava nel suo lavoro.

Fonte immagine: Wikimedia.it

Presso lo Spaziofarini di Milano dal 4 maggio sarà possibile ammirare le opere dell’artista Luigi Billi in una mostra dal titolo ‘Cielo di bosco’.

Con l’obiettivo sempre rivolto all’insù, Luigi billi nè capace di catturare scorci, luci ed ombre create da rami e foglie dalle cui fessure trapela il cielo in tutti suoi colori e le sue luminosità dando luogo ad effetti di grande suggestione di tipo impressionista.

L’artista è così in grado di estrapolare forme e figure (spesso geometriche) che rami e le foglie racchiudono in sè. Una natura che sembra non avere segreti per un’artista in grado di coniugare l’arte classica a quella contemporanea avvalendosi della superficie cerata della carta fotografica che viene stropicciata e dipinta a mano.

Fonte immagini: luigibilli.com

Venerdì 22 aprile, presso l’ex Chiesa Anglicana di Alassio, si inaugura la mostra personale di Andy noto anche per essere stato insieme a Morgan il cofondatore dei Bluvertigo.

´Vitaoltrepop´, questo il titolo della mostra a cura di Nicola Davide Angerame, presenta una selezione di 40 opere dell’artista che da più di dieci anni ormai, si muove nell’ambito delle arti visive come pittore ultrapop. Andy vanta anche prestigiose collaborazioni con grandi marchi del panorama industriale italiano, come Fiat per la quale ha dipinto una Cinquecento d’artista, ma anche Coveri, Carlsberg, Iceberg, e molti altri.

In esposizione molte tele di grande formato in cui Andy propone citazioni di dipinti classici italiani mixati con personaggi manga, donne bellissime e diverse celebrities della musica pop e non solo. Così lo spettatore si troverà davanti alla pop star Madonna che diventa protagonista di un’Annunciazione e poi ancora David Bowie, Popeye, Grace Jones, Minnie, Topolino e molti altri personaggi che compongono il mondo immaginario di Andy in cui realtà, spettacolo e fantasia infantile si fondono insieme.

“L’eleganza di Andy – afferma il curatore Angerame – si esprime anche nelle sue opere, che sono capaci di tenere insieme i colori più accesi e i personaggi più vari dentro composizioni di grande complessità e rigore. La psichedelia diventa qui un retaggio colto, un linguaggio visivo maturo che viene virato verso un immaginario pop che perde le acutezze esoteriche degli esordi per assumere i toni decorativi più morbidi dettati da un immaginario infantile che permette di reintepretare il mondo come un prisma di colori accesi e gioiosi, a volte sinistri, ma solo quel tanto che basta per dare un po’ di brivido ad un mondo sostanzialmente felice. Quello di Andy”.

Nato a Monza nel 1971, Andy si forma presso l’Istituto d’Arte della sua città e presso l’Accademia delle Arti Applicate di Milano fino alla specializzazione in illustrazione e grafica pubblicitaria. Oltre alle tele, Andy si è dedicato anche alla decorazione di oggetti di design, stoffe e strumenti musicali che ha avuto modo di esporre sia in Italia che all’estero. Dunque un artista a tutto tondo considerando anche la sua attività di musicista di talento. Con i Bluvertigo ha pubblicato infatti diversi album e tutt’ora rimane molto attivo nel mondo della musica come compositore di colonne sonore, produttore di band emergenti, conduttore di programmi musicali sia televisivi che radiofonici.

Acuto osservatore della realtà musicale contemporanea, da dieci anni si dedica anche alla ricerca e sperimentazione, mixando sonorità dal sapore new wave-anni ‘80 nei club di tutt’Italia. Andy è anche fondatore di FluOn, suo quartier generale e nucleo creativo, che riassume nel nome una filosofia di arte e di vita: “Flu” come la fluorescenza, ma anche l’inFluenza, entrambe da emettere e ricevere in flusso continuo e in un costante mode “On”: acceso.

Nella mostra proposta ad Alassio che si concluderà il 19 maggio, saranno presenti anche oggetti di art-design come una Vespa decorata a mano, una chaise longue, un tavolino e una poltrona. L’ingresso è libero.

Fonte immagini: style.it, bloomriot.org, savonanews.it, re-mood.com

Da oggi fino al 2 ottobre, al Museo di Roma Palazzo Braschi, saranno esposte circa settanta opere finora custodite nei depositi e mai esposte prima che ci faranno rivivere la Roma dei giochi popolari.

Dipinti, disegni, incisioni e bozzetti, evocano la Roma dei ludi e delle cerimonie religiose tra XVII e XVIII secolo, in continuità con i temi dell’esposizione permanente del museo lungo un percorso giocato tra rimandi e corrispondenze che raccontano la città, la  sua storia ed i luoghi più suggestivi.

Tra le vedute si spazia da quelle fantastiche di Jean Lemaire e di Bartholomeus Breemberg, mentre verosimiglianza prospettica e attenzione per il quotidiano coesistono e si intrecciano nelle vedute di Gaspar Van Wittel. L’arredo barocco per eccellenza, la Fontana dei Fiumi del Bernini, può essere ammirata in una tela dalle grandi dimensioni di Filippo Gagliardi che la immortala durante una visita informale di Papa Innocenzo X committente dell’opera.

Campidoglio e Piazza Navona, inedite scenografie di affollati e movimentati mercati, sono riprodotti in dipinti che offrono alcune delle rappresentazioni cittadine più movimentate e coinvolgenti, che inoltre ci descrivono il Gianicolo teatro del gioco delle bocce e Testaccio luogo deputato ai ludi successivi al Giovedì grasso.

Teatralità e liturgia si mescolano nei disegni che ritraggono le cerimonie religiose, i maestosi spettacoli, le coreografie collettive interpretate da tutta la città come i solenni cortei del Corpus Domini, le consegne della Chinea, la celebrazione dell’Anno Santo e, soprattutto, i cortei per il “Possesso” del Papa a seguito dell’elezione. Le opere che raccontano questi momenti ci descrivono meglio di ogni altra cosa l’importanza dell’elemento spettacolare, del cerimoniale fastoso nell’esercizio del potere temporale. L’esibizione del potere, la sua celebrazione, la temporalità nella spiritualità.

Ad impreziosire ulteriormente l’esposizione il grande cartone preparatorio – con Salomone e Betsabea – realizzato dal Domenichino per uno degli affreschi nella cappella Bandini in San Silvestro al Quirinale; ed ancora i bozzetti in terracotta di angeli e santi realizzati poi in marmo nelle chiese romane ad opera dei grandi scultori dell’epoca come Melchiorre Caffà, Pietro Le Gros  e da Gian Lorenzo Bernini. Infine la preziosa pergamena con Atena Pallade, opera  di Joseph Werner, testimonianza dell’influenza dell’ambiente romano sulla sua produzione artistica intorno alla metà del Seicento.

In programma dal 19 aprile al 29 maggio, l’esposizione curata da Tito Canella, che avrà luogo presso le sale delle Civiche Raccolte Storiche di Palazzo Moriggia, è promossa dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano, in collaborazione l’Istituto per la Storia del Risorgimento Italiano, nell’ambito delle celebrazioni per i 150 anni dell’Unità d’Italia.

La mostra rappresenta uno strumento diverso e affascinante per approfondire i sentimenti popolari durante questo fondamentale capitolo della nostra storia, oltre che una fonte storica preziosa per illustrare luoghi, armi e divise dei soldati del nostro Risorgimento. La collezione copre un arco cronologico ampio e illustra alcuni tra i più importanti fatti d’arme dell’Ottocento italiano, a partire dalle battaglie napoleoniche, per concentrarsi poi in particolare sulle guerre di indipendenza del 1848, 1859 e 1866.

La “grazia ricevuta” celebra quindi il ritorno a casa del reduce dopo sanguinosissime battaglie come quelle di Custoza, Magenta o Gaeta. Gli ex voto provengono da collezioni private, tra le quali il Museo del Paesaggio di Verbania, il Santuario della Madonna della Colletta a Luzzogno e il Santuario della Madonna del Sangue di Re in Val Vigezzo.

Fonte immagine: nomosedizioni.it

“Zurab Tsereteli. Incanto delle Origini. Radici del mondo”, è la mostra che verrà inaugurata il 20 Aprile presso la Mole Valtelliniana di Ancona nell’ambito del progetto annuale che prevede scambi culturali tra Russia e Italia.

La Regione Marche ospita questa grande mostra dedicata all’opera del pittore e scultore che occupa un posto di assoluto rilievo nella storia dell’arte russa e mondiale dalla seconda metà del ‘900 ad oggi. Curata da Armando Ginesi, console onorario della Federazione Russa in Italia, raccoglie più di cento opere tra dipinti, bassorilievi e grafiche che ripercorrono il lavoro dell’artista nato a Tbilisi nel 1934.

Già allestita a Roma e Palermo, la mostra restituisce il contenuto poetico e progettuale del mondo artistico di Tsereteli: pittore, scultore, incisore e narratore, attraverso la sgargiante tavolozza venata di neri, di tutti i colori della vita quotidiana, della tradizione popolare, dei personaggi illustri, del paesaggio, della storia russi. Il tratto distintivo della monumentalità ha reso celebre questo artista: al suo genio si devono monumenti come Il Bene vince il Male davanti al Palazzo dell’Onu a New York e il memoriale per ricordare le vittime del terrorismo all’indomani dell’11 settembre 2001.

Alla mostra principale dedicata a Tsereteli, che riveste anche il ruolo di presidente all’Accademia Russa di Belle Arti, si accosta una seconda esposizione di grande rilevanza culturale e documentaria, allestita sempre negli spazi della Mole, dedicata alla prestigiosa Accademia, a cura di Elena Tsereteli e Liubov Evdokimova. La collezione proviene dall’Academie des Beaux Arts di Parigi e racconta tre secoli di relazioni strette tra la Russia e l’Italia, sottolineando il ruolo essenziale svolto dalla cultura italiana a vantaggio della Russia artistica.

Si articola attraverso una preziosa documentazione di fotografie e disegni che ricostruiscono l’incidenza dell’architettura, delle arti figurative e della scienza italiana sulla cultura russa, a partire dalla fondazione dell’Accademia, voluta da Caterina e da Pietro il Grande.