Nella settimana di San Valentino dal 13 al 18 febbraio l’associazione Amici della Biblioteca ha organizzato «Ti regalo una poesia per dirti…»

«Ti regalo una poesia per dirti…» è l’iniziativa organizzata nella Biblioteca Civica “Canna” a Casale Monferrato dal 13 al 18 febbraio dall’associazione Amici della Biblioteca per far avvicinare o riavvicinare le persone alla poesia e al grande patrimonio librario con i suoi scrittori della biblioteca civica.

Come afferma l’assessore alla Cultura Giuliana Romano Bussola questo evento permetterà di «scoprire o riscoprire l’arte suggestiva ed emozionante del raccontare un amore in metrica» dando l’occasione alle persone di entrare in contatto con la cultura e la poesia mondiale.

L’iniziativa si compone della “pesca” di una poesia da regalare o regalarsi di un grande poeta arrotolata e chiusa con un nastro tra le oltre 100 scelte per accompagnare la festa degli innamorati San Valentino.

La biblioteca nata nel 1915 dalla collezione di Giovanni Canna che comprendeva circa 20mila volumi oggi è divenuta un punto di riferimento culturale della città insieme al vicino museo civico Gipsoteca Leonardo Bistolfi dove è collocato “Gli amanti” un modello in gesso di Leonardo Bistolfi scultore del ’800 italiano che interpreta perfettamente la vena poetica dell’iniziativa con l’avvolgente avvicinarsi a un bacio tra due giovani sdraiati a terra del XIX secolo.

Due poesie che potrete trovare tra quelle scelte per l’evento:

Felice Attesa

Felice attesa di te che verrai,
quando nella tua anima
quell’amore potrà fiorire
che col suo fuoco mi divora…
Felice attesa di te, di te.

Il cielo si effonde,
sulla terra è quiete.
Profonda nella mia anima
è quiete, quiete.
Soltanto quel fuoco che mi divora
sorge dal profondo a cercarti.

E tu verrai,
le fiamme ardenti
diverranno fiori
nelle tue mani,
una imperitura primavera in me,
quando tu mi sussurrerai:
- Ti amo.

Pär Lagerkvist (1891-1974)

Il più bello dei mari

Il più bello dei mari
è quello che non navigammo.
Il più bello dei nostri figli
non è ancora cresciuto.
I più belli dei nostri giorni
non li abbiamo ancora vissuti.
E quello
che vorrei dirti di bello
non te l’ho ancora detto.

Nazim Hikmet (1902-1963)

Fonte Immagini | Ufficio Stampa Biblioteca Civica “Canna”

A Milano per il Salone del Veicolo d’Epoca, Autoclassica, vengono esposte dal 17 al 19 febbraio le opere di Alessandro Gedda per celebrare la storia dell’auto.

Alessandro Gedda con la tecnica Sketches ha creato oltre 60 opere riuscendo a trasmettere il dinamismo del movimento delle macchine in corsa e nei ritratti la personalità dei protagonisti che hanno caratterizzato il mondo dell’automobile come per Enzo Ferrari, Ettore Bugatti, Alfieri Maserati, Ferdinand Porsche, Ferruccio Lamborghini e di altri.

Questa tecnica è la creazione dell’opera finita attraverso lo schizzo con il colore puro che in queste tele risulta predominare il blu con alcuni effetti di sgocciolatura che caratterizzano il lavoro. Gedda parte con un’opera su Leonardo da Vinci per riportare alla memoria i progetti svolti dal maestro sulla costruzione delle macchine, considerandolo come artefice dei primi studi di meccanica per giungere ai grandi mezzi creati dalle grandi case automobilistiche.

Ricorda anche con i suoi ritratti i grandi piloti della Formula 1 come Juan Manuel Fangio, Jim Clark, Niki Lauda, Jacques Villeneuve e Ayrton Senna.

La mostra è una personale di un artista che ha trasformato la sua passione per le automobili in arte da esporre e per esaltare la bellezza e il grande lavoro svolto nei secoli nel rendere facile, veloce e comodo il trasporto delle persone e dei beni.

Video che ritrae l’artista Alessandro Gedda mentre dipinge in blu una Porsche nel 2010.

La Galleria Civica di Modena, dal 17 marzo al 10 giugno 2012, ospita la mostra di Vittorio Corsini “Tra voci, carte, rovi e notturni”, lavoro organizzato proprio per la serra ducale.

Nata dalla collaborazione con la Fondazione Cassa di Risparmio e con la cura di Marco Pierini, la mostra espone solo opere nuove (ad eccezione di una datata 1990 ma mai esposta) che declinano tematiche legate al concetto di territorio. Una mostra completamente incentrata sul paesaggio che attraverso sculture, installazioni e un video d’animazione riconsidera il territorio come anima in movimento, dove la vita quotidiana tutto trasforma e muta.

Gli studi di Corsini mirano all’osservazione sulle modalità dell’abitare, sui movimenti che animano gli spazi domestici e pubblici, sulle relazioni che essi instaurano con le persone. La ricerca si realizza attraverso l’utilizzo dei materiali più disparati, dal vetro al metallo, dalla carta all’inchiostro alla segatura, tutti elementi che aiutano l’artista a cucire una serie di legami narranti, tutte espressioni di ciò che il paesaggio solo riprodotto non può esprimere.

Un dispositivo elettronico riproduce la voce di Paolo Nori che legge una storia realizzata con l’intento di rappresentare un paesaggio delle colline modenesi. La segatura bianca e nera disposta sul pavimento di una sala viene costantemente calpestata dai passanti, metafora di come l’ambiente finisca per essere modificato da coloro che lo abitano, pur rimanendo sempre riconoscibile.

“Risaia”, l’opera del 1990 in metallo e vetro, rappresenta una visione ancora storica della natura; “Eros 10.5″ e “Eros 10.7″ portano una trasformazione, il riflettersi colorato della luce dei neon che contrasta con i cespugli e i canneti metallici. Un’intera ala del palazzo è dedicata a stampe fotografiche in bianco e nero, dove splendidi paesaggi diurni mutano in attimi notturni mediante l’utilizzo della luce blu che si staglia da destra.

La mostra, dal 17 marzo al 10 giugno 2012, è aperta dal mercoledì al venerdì dalle 10.30 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 19.30. Il sabato, la domenica e i festivi con orario continuato dalle 10.30 alle 19.30; lunedì e martedì la mostra resterà chiusa. L’ingresso è libero.

Le somiglianze dell’affresco di San Girolamo, eremita del 400, con il volto di Leonardo da Vinci nella chiesa della Madonna delle Nevi detta la Pescina.

Il volto dell’affresco di San Girolamo nella chiesa della Madonna delle Nevi detta la Pescina a Santa Fiora nel grossetano è stato ultimamente paragonato con quello della sanguigna Autoritratto di Leonardo da Vinci (1452-1519) del 1513 circa collocata nella Biblioteca Reale di Torino e suggerendo l’ipotesi dell’intervento nell’opera di Leonardo stesso.

La chiesa dove è l’affresco di San Girolamo è stata sotto esame dell’Università di Firenze nel 2001, come riporta Michele Nucciotti sul Il nuovo corriere Amiatino del 2002, per alcuni scavi archeologici nei quali fu scoperta la vecchia strada medioevale e il ponte che sorgevano esattamente sotto la chiesa e sopra la sorgente del fiume Fiora che attualmente è all’interno della chiesa stessa e riscontrabili, tanto i resti quanto la sorgente, attraverso una serie di cristalli sulla pavimentazione. La chiesa come appare ora è del 1576 circa e i principali affreschi vengono attribuiti al pittore amiatino Francesco Nasini datati intorno al 1640.

San Girolamo nacque nel 347 a Stridone e morì a Betlemme nel 419/20 dove fece una vita ritirata ascetica, viene rappresentato nella chiesa della Madonna delle Nevi come eremita con un teschio, una veste che lo copre appena, lo sguardo rivolto al cielo e le mani, perse per sempre a causa del cedimento di una trave, sono presumibilmente congiunte in preghiera verso la croce lignea o reggenti un libro, quest’ultimo elemento presente tradizionalmente nell’iconografia di San Girolamo per ricordare il suo lavoro di traduttore della Bibbia dall’ebraico e dal greco.

Sé pur lieve può essere riscontrata una somiglianza con l’autoritratto di Leonardo da Vinci ma sicuramente non può essere una sua opera come è stato suggerito; primo, quando era in vita Leonardo la chiesa non era ancora eretta, Leonardo da Vinci morì il 2 maggio 1519, allora il sito risultava a cielo aperto con un tabernacolo contenente una maestà, come è stato riscontrato dalle ricerche archeologiche dell’Università di Firenze nel 2001; secondo, lo stile del maestro è molto diverso come si può confrontare ad esempio con il San Govanni Battista del 1510-17 di Leonardo da Vinci conservato nel Museo del Louvre a Parigi presente nella galleria sottostante.

Questa opera, come le altre nella chiesa, vengono ricondotti stilisticamente alla mano del pittore Francesco Nasini che fu molto prolifico nell’area amiatina appartenente a una famiglia di artisti originaria di Piancastagnaio, un paese del Monte Amiata.

Fonte immagini | Daniela Fogar e Wikimedia

Dal 23 al 30 gennaio 2012 La Casa della Memoria e della Storia di Roma propone un ampio ventaglio di iniziative per non dimenticare le vittime dell’Olocausto. 

Il 27 gennaio 1945 le truppe sovietiche hanno aperto i cancelli di Auschwitz, rivelando al mondo l’orribile realtà dei campi di sterminio.

Nel 2000, questa data è stata istituita dal Parlamento italiano come Giorno della Memoria, per non dimenticare le vittime della Shoa, ma anche i suoi eroi. Oggi sono molte le nazioni che celebrano questa giornata evento con una lunga serie di iniziative.

La Casa della Memoria e della Storia di Roma propone un’intera settimana di celebrazione che coinvolge diverse arti e tutte le età: incontri con le scuole, letture e presentazioni di libri, proiezioni di film e documentari, testimonianze, interviste. Tra i film documentari che hanno fatto storia, il 26 gennaio alle 9.30 sarà proiettato “Shoa“, opera uscita nel 1985 per la regia di Claude Lanzmann: 9 ore di proiezione realizzate in ben 11 anni di lavoro, che hanno coinvolto testimoni, sopravvissuti e carnefici. Un evento cinematografico considerato opera fondamentale nella ricostruzione storica dell’Olocausto.

In mostra fino al 10 febbraio “1938-1945 La persecuzione degli ebrei in Italia. Documenti per un storia“: 38 pannelli che si articolano in 15 sezioni tematiche per raccontare i diversi momenti della persecuzione degli ebrei in Italia.
Un percorso che ci accompagna, con impostazione scientifica e completezza storica, lungo tutte le tappe degli avvenimenti: dalla contestualizzazione delle premesse storiche che hanno reso fertile il terreno per quanto è accaduto dopo, agli esordi della persecuzione sociale, fino agli arresti, alla deportazione e allo sterminio.
Il percorso si chiude però non sull’orrore, ma sulla speranza, mostrando il ritorno alla vita durante il dopoguerra.

L’iniziativa è a cura dell’Associazione Romana Amici D’Israele con pannelli della Fondazione Centro di Documentazione Ebraica Contemporanea CDEC onlus di Milano ed è promossa da Roma Capitale – Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico, Dipartimento Cultura – Servizio Programmazione e Gestione Spazi Culturali in collaborazione con Zètema Progetto Cultura.

L’Hotel Al Sorriso bandisce il concorso 260MQ per la progettazione di un’opera d’arte contemporanea per festeggiare il cinquantesimo anno d’attività.

I proprietari dell’Hotel Al Sorriso, la famiglia Bommassar di Levico terme Treviso, ha bandito il concorso 260MQ per la realizzazione di un’installazione temporanea che dovrà permanere nel luogo per tutto il periodo estivo del 2012. I Bommassar non pongono nessun obbligo nel soggetto dell’opera e rendono libero l’artista o il gruppo ad esprimersi con qualsiasi disciplina artistica o architettonica offrendo uno spazio di 260mq, un vecchio campo da tennis con pavimentazione in cemento.

L’obbiettivo del progetto è nel migliorare l’aspetto estetico ed emozionale dell’area già molto suggestiva offrendo agli artisti, nati dal ’72 in poi, un laboratorio di sperimentazione e un’opportunità di farsi conoscere a livello internazionale.

La famiglia offre un massimo di 10.000 Euro per la realizzazione dell’opera e 2000 euro di premio all’artista o al gruppo che vincerà il concorso. Sono offerti anche due premi di 1000 euro e di 500 euro rispettivamente per il secondo e il terzo posto. I membri della giuria che valuteranno i progetti proposti dagli artisti verranno resi pubblici il 5 marzo sul sito dell’Hotel Al Sorriso.

Il responsabile unico del procedimento è lo studio d’architettura SuperGulp! di Firenze nella persona dell’architetto Alessandro Vergot e il bando ha come termine ultimo per la consegna degli elaborati l’11 maggio 2012.

260MQ concorso internazionale d’arte contemporanea
Hotel Al Sorriso – www.hotelsorriso.it

Fonte immagini | www.hotelsorriso.it

Nella mostra “Incanti di terre lontane” vengono esposti i lavori di Hayez, Fontanesi e degli orientalisti italiani tra l’ottocento e il novecento.

Si aprirà il 4 febbraio fino al 29 aprile 2012 la mostra “Incanti di terre lontane. Hayez, Fontanesi e la pittura italiana tra otto e novecento” a Palazzo Magnani a Reggio Emilia.

Dopo la mostra Orientalisti tenutasi a Roma nel Chiostro del Bramante ora verrà presentata al pubblico non solo l’arte mediorientale che ritrae l’oriente nelle immagini delle donne fumatrici di oppio e di odalische nei harem e negli hammam ma verrà ampliato lo sguardo oltre con l’arte di Antonio Fontanesi, Galileo Chini, Salvino Tafanari e di altri che riuscirono ad assimilare la cultura e l’arte dell’estremo oriente molto in voga nella Parigi del secondo ottocento grazie anche alle stampe giapponesi ukiyo-e degli artisti Utamaro, Hiroshige e Hokusai.

La mostra curata da Emanuela Angiuli e Anna Villari e promossa dalla Fondazione Palazzo Magnani presenta un centinaio di opere prendendo i due grandi orientalisti italiani Francesco Hayez e Antonio Fontanesi come punti di riferimento per rappresentare l’arte orientalista dal medio all’estremo oriente.

Francesco Hayez, pittore del medio oriente, è presente nella mostra con alcuni dipinti tra i più importanti della sua carriera che riescono a trasmettere tutto il fascino dei colori e delle ambientazioni orientali. Sono presenti nell’esposizione altri artisti come il fiorentino Stefano Ussi che si recò prima in Egitto per l’apertura del Canale di Suez e dove dipinse su commissione del Pascià d’Egitto “Il pellegrinaggio alla Mecca” presente all’Esposizione Internazionale di Venezia del 1873; il napoletano Domenico Morelli che, senza andare mai in medio oriente, riuscì a descrivere il mondo arabo con le mistiche preghiere a Maometto nella Napoli del ’800 e divenne anche Senatore del Regno d’Italia nel 1886; il pugliese Francesco Netti, di ritorno dalla Turchia, si dedicò a una pittura più intimista come per «Le ricamatrici levantine».

Ma nella mostra al Palazzo Magnani ci sarà un posto d’onore per l’emiliano Antonio Fontanesi che tra il 1876 e il 1878 venne chiamato all’Accademia di Belle Arti di Tokyo per insegnare pittura e dandogli così l’occasione di descriverci tutto il fascino del Giappone dell’ottocento con il suo linguaggio lirico. Con Fontanesi la mostra ci farà gustare il fascino dell’estremo oriente molto amato nell’Europa di fine ottocento che si ritrova anche nell’arte degli impressionisti parigini come nella Giapponese di Claude Monet. Fontanesi, a discapito della sua ricca produzione, ha prodotto solo tre dipinti con soggetto orientale e alcuni disegni a matita raccolti per la prima volta in una mostra. Sembra che l’artista fu influenzato più dalla cultura giapponese che non dai stili pittorici del Giappone, infatti si riscontrano nella sua produzione una vicinanza alla poetica e all’estetica giapponese per l’interpretazione dell’uomo con la natura e dell’insieme del mondo. Invece Galileo Chini si recò in Tailandia tra il 1911 e il 1914 per dipingere il Palazzo del Trono a Bangkok insieme al suo amico architetto Annibale Rigotti riportandoci in Europa tutto il fascino della cultura buddhista tailandese. Mentre Salvino Tafanari, che aveva lavorato a Firenze con Galileo Chini, ci rappresenta nei dipinti delle danzatrici di Giava tutto il fascino dei colori degli abiti in batik indonesiani.

La mostra si propone come una grande veduta del mondo orientale attraverso gli occhi dei pittori italiani dell’otto e novecento facendoci gustare quel fascino che avvolse l’Europa di quegli anni e facendoci riscoprire i grandi artisti italiani che non hanno nulla da invidiare ai movimenti d’oltralpe.

Fonti immagini | www.studioesseci.net

Fino all’8 gennaio è in corso al Magazzino d’Arte Moderna di Roma, la mostra di Jan Fabre dal titolo “Tribute to Hieronymus Bosch in Congo”.

C’è ancora tempo per visitare la terza personale di Jan Fabre al Magazzino d’Arte Moderna di Roma. Sette nuovi lavori di grande impatto visivo del grande artista visuale che nella sua ricerca artistica indaga principalmente sulla storia e le dinamiche sociali.

In “Tribute to Hieronymus Bosch in Congo“ l’artista pone la sua attenzione sui rapporti tra la storia del suo paese d’origine, il Belgio, la sua colonia del Congo e l’iconografia del maestro fiammingo Hieronymus Bosch.

I mostri, i personaggi e la fantasia di Bosch incontrano infatti i simboli e l’immaginario della storia del Congo e della sua esperienza di colonizzazione fallimentare da parte del Belgio.

La mostra è a ingresso libero ed è aperta con il seguente orario: martedì-venerdì 11-15/ 16-20 e sabato 11-13/ 16-20.

Sweza è un artista urbano berlinese con al seguito molti lavori in tutta Europa, tra cui QRadio.  L’utilizzo del QR Code venne utilizzato dall’artista già in passato per far sì che la gente potesse visualizzare alcuni murales rimossi per le strade della sua città.

I suoi interventi urbani mirano sempre a modificare lo spazio urbano circostante. QRadio è il suo ultimo lavoro, che consiste in cinque installazioni interattive per niente convenzionali inserite in specifici punti di Berlino, raffiguranti i vecchi mangiacassette vintage. Al centro di questi poster si trova il QR Code, un particolare codice a barre che può essere letto attraverso l’utilizzo degli smartphone di nuova generazione.

Una volta “letto” il codice con lo smartphone, improvvisamente apparirà sullo schermo una vecchia audiocassetta e come per magia partirà la canzone di Deniz Kahn Beat Bounce. Si dice che questo lavoro di Sweza sia nato per rispondere al tanto acclamato artista di Brighton Cassette Lord, il quale ha precedentemente reso omaggio alla cultura vintage raffigurando musicassette in giro per la sua città.

Fonte dell’immagine: Sweza.com

Istituto Nazionale per la Grafica a Roma apre il nuovo anno espositivo con “Icons Unplugged” una mostra di Luca Pignatelli.

L’anno espositivo dell’Istituto Nazionale per la Grafica è stato aperto dalla mostra “Icons Unplugged” di Luca Pignatelli e si concluderà il 5 febbraio 2012. La mostra offre una fusione tra antico e moderno unendo materiali elementari come cartoni, teloni di camion, libri di preghiera e antiche stampe per creare suggestive rappresentazioni. Pignatelli, come afferma a Federico Castelli Gattinara del Il Giornale dell’Arte, ha strutturato la mostra pensando all’ambiente e all’architettura nella quale veniva collocata, il Palazzo Poli, come fa’ d’altronde per tutte i suoi eventi espositivi.

L’artista ha preso lo spunto per le sue opere da alcuni pannelli in un ristorante della Liguria fissati con chiodi, sistema che Pignatelli ripropone nelle tele di canapa con l’introduzione dei lavori di Piranesi, l’incisore del ’700 che esaltò l’arte classica con le sue vedute di Roma, integrandoli con elementi contemporanei come gli aerei della seconda guerra mondiale che si vedono nel lavoro “Veduta della piazza di Monte Cavallo” (2011) adoperato anche nel manifesto della mostra.

Si aggiunge una sezione riservate ad alcune grafiche artistiche con soggetto delle opere greco-romane realizzate nella stamperia dell’istituto in collaborazione con Corrado Albicocco, stampatore udinese con cui Pignatelli aveva già lavorato per alcuni studi sul metodo di stampa allo zucchero tecnica che dà effetti altamente pittorici.

L’Istituto Nazionale per la Grafica con questa mostra porta avanti il suo lavoro di promuovere nuovi metodi di stampa e di riproduzione con diversi procedimenti partendo da quelli tradizionali del disegno, dell’incisione, della fotografia e della cinematografia per arrivare alla sperimentazione di nuove vie e supporti espressivi.

L’Istituto è aperto tutti i giorni eccetto il lunedì dalle 10:00 alle 19:00 con ingresso gratuito e si potranno verificare delle aperture straordinarie durante il periodo delle festività natalizie.

Fonte immagine | Istituto Nazionale per la Grafica